中国艺术是民族精神的伟大独白，重拾文化自信，从了解中国的传统艺术开始。

对于许多非美术专业人士来说，《中国美术五千年》是极好的入门版本，可作为学习中国美术史的第一堂课。

以朝代为轴，从史前到近代；涉及多品类作品：岩画、陶器纹样、宫廷画、山水画、人物画、风俗画、花鸟画......系统掌握美术基本概念，培育传统审美。

书中从夏商周启程，用青铜器敲响礼乐的开端。路经秦汉，再漫步到中国艺术史上划时代的魏晋南北朝，绘画开始从略至精，有了质的变化——看顾恺之的“以形写神”，看山水画的初创，看佛教艺术的传入。

来到巅峰盛唐，艺术也辉煌灿烂，美不胜收——看吴道子的《八十七神仙卷》，立笔挥扫，势若风旋；看敦煌飞天，衣带飘飘，优雅曼妙；看宫廷人物画，唐代仕女粉妆玉琢、富贵绮丽......

接着是艺术的黄金时代宋朝，山水画、花鸟画走向主导；“艺事之静，冠绝古今”的宋徽宗，在书法和绘画都有极高的造诣。

明朝文人以元四大家为学习对象，出现后来成为文人画传统的“吴派”。

清朝中西艺术的碰撞，最后到近代，迎来传统绘画的新生。

可以说，《中国美术五千年》全景鸟瞰24个朝代，系统梳理了美术发展全脉络，既有宏观历史背景，也有名家生平事迹，立体巡览中国美术史全貌。

五千年积淀的文化宝藏，待我们在书中细心挖掘。

我们为什么要欣赏中国传统艺术？

因为它们不仅仅是艺术，更是几千年来中国人的精神追求和哲学沉淀。理解中国美术，就像回到中国人的精神故乡，这是属于我们独有的浪漫。

山静日长，行到水穷处，坐看云起时。在千沟万壑的山水画中游历，欣赏美不胜收的风景，在生活中寻觅一片安宁。

在西方的审美中，精度、比例和节奏感，是很重要的。

然而在中国的美学世界里，留白、意境、气韵生动、天人合一，才是美的最高归宿。

“在泼墨山水画里，你从墨色深处被隐去。”

从旧石器时代的岩画中能看见对天人和谐的祈盼，从敦煌壁画中能看见慈悲天下的佛家精神，从山水画中能看见寄情高远的文人情怀……

比如在王维的山水画中，没有群山大壑、激流险滩，而是水平山秀，渡水渔庄。就像一个人安静地坐在岸边，望着淡淡的远山，静静的近水，没有烦恼，没有愤怒，没有哀愁。

最好的描述，大概就是王维的诗句了——“山下孤烟远村，天边独树高原”。

读着他的诗句，仿佛看到了一幅迷人的画。欣赏他的画，又好像在品味一首韵味无穷的诗。

“气”“韵”和 “生动”，本身都有几分玄妙色彩，无法用尺度衡量，没有精确比例。可这是古人的哲学追求。

只有读懂了气韵生动，读懂了虚实相生，读懂留白，读懂了中国艺术，才能真正走进中国的诗意审美。

上下五千年，何为美？何为高级？

中国人的终极浪漫，都藏在万古流芳的大师及其作品里。

顾恺之、阎立本、张萱、周昉、李思训、李昭道、顾闳中、王维、荆浩、董源、巨然、赵佶、黄公望、张择端、倪瓒、徐渭、唐伯虎、八大山人、徐悲鸿、齐白石...... 

这一个个熟悉又陌生的名字和他们的作品，就静静地在那里，等待着我们的拜访，与我们相识相知。

中国几千年的美术创造，传承有序，琳琅满目，美不胜收。

人面含鱼的彩陶，色彩斑斓的青铜器，稚拙饱满的画像砖、画像石，气韵生动的吴道子的人物画，栩栩如生的赵佶的工笔花鸟画，辉煌灿烂的王希孟的青绿山水画，古淡荒寒的倪瓒的水墨山水画，一直到近代徐悲鸿的中西合璧和齐白石对传统绘画的新创造。

这些作品，博大精深，几乎成为中外艺术理论家的共识。读懂中国美术史，也就是读懂了中国人刻在基因里的审美语言和美学信仰。

文本参考：中信出版